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"Indiana Jones, la fine" - Dipinto di Erminia A. Giordano per CineHunters

La quinta e ultima avventura di Indiana Jones comincia con un qualcosa di simbolico. Nel buio si ode in sottofondo un suono ritmato che somiglia al crescente ticchettio di un orologio, o in alternativa al rumore provocato dagli ingranaggi di un congegno capace di misurare lo scorrere del tempo.

Il tempo, già. Il tempo è l’elemento portante su cui ruota l’intera vicenda nella quale cala definitivamente il sipario sul vissuto del famoso archeologo. Ma cos’è il tempo? Come potremmo definirlo?

Esiste realmente o non è altro che una convenzione umana?

Il tempo è una essenza astratta, che tutto domina. Esso esiste e… Passa. Il tempo è ineluttabile e, a suo modo, implacabile.

Rammentate, a tal proposito, l’enigma che la creatura Gollum rivolge a Bilbo Baggins ne “Lo Hobbit”?

Questa cosa ogni cosa divora,
ciò che ha vita, la fauna, la flora;
i re abbatte e così le città,
rode il ferro, la calce già dura;
e dei monti pianure farà.

La risposta a questo rompicapo è, per l’appunto, il tempo. Esso non ha forma, non ha aspetto, non può essere visto, descritto, osservato, ma può essere percepito. Il tempo scorre senza fine, fagocita tutto, piante, arbusti, fiori e animali. Disfa i secoli, sgretola le epoche, spezza nel suo incedere le dinastie, smantella le costruzioni dell’uomo, seppellisce le città sotto dune di sabbia e strati di terra. Solamente poche cose sopravvivono alle ingiurie del tempo, ai suoi fendenti letali. Queste suddette cose che perdurano nel volgere dei millenni sono le opere storiche, le sculture, gli edifici, gli oggetti e i manufatti, tutti i vari reperti che recano in essi le testimonianze di un passato che continua ad echeggiare nel presente. Gli storici, gli archeologi, gli studiosi del mondo antico riversano il loro amore su tali ritrovamenti, su quei resti, che siano ruderi o gruppi scultorei intatti o comunque ben conservati, poiché essi custodiscono frammenti di un tempo perduto.

"Gollum" - Illustrazione di Erminia A. Giordano per CineHunters

Il tempo, sì, è sempre lui a farla da padrone. Il tempo non conosce clemenza nei riguardi dell’essere umano, e trascorre per tutti anche per gli eroi belli e aitanti che invecchiano come chiunque altro. Non è forse vero, dottor Jones?

Nella prima parte de “Il quadrante del destino” vi è una scena che mi ha colpito molto. No, non faccio riferimento ad una sequenza d’azione, ad uno dei combattimenti che Indiana imbastisce contro i suoi nemici giurati, i nazisti, e neppure ad una fuga rocambolesca compiuta sui vagoni di un treno repleto di cimeli trafugati dalle forze del Terzo Reich; mi riferisco, più che altro, ad una sequenza semplice, tranquilla, apparentemente “tediosa”, quella in cui Henry Jones, nelle sue vesti di professore universitario, sta tenendo una lezione nella sua aula.

Non è certamente la prima volta in cui vediamo il personaggio nei panni di un mite e colto docente. In ogni film della saga, eccezion fatta per “Il tempio maledetto”, vi è sempre un momento iniziale in cui l’avventuriero rindossa i suoi signorili abiti da insegnante e istruisce i suoi alunni. Eppure, ne “Il quadrante del destino” il contesto pare enormemente diverso, soprattutto se paragonato a ciò che avviene ne “I predatori dell’arca perduta”, il primo lungometraggio in cui appare il personaggio di Indiana Jones.

Ne “I predatori” miriamo una classe gremita, piena di studenti che prestano il massimo riguardo a ciò che il professor Jones sta dicendo. Tra quegli alunni vi è persino una studentessa seduta in prima fila, che osserva il professor Jones con sguardo incantato, quasi languido, rivolgendogli occhiate dolci e abbassando di tanto in tanto le palpebre sulle quali sembra ci siano scritte le parole: “Ti amo”. Il professor Jones si accorge di quella piccola frase "appuntata" sugli occhi della fanciulla, e rimane perplesso, confuso, quasi rapito per un istante, non riuscendo forse a carpire del tutto il senso di quelle tenere palpebre calate.

In questa sequenza vediamo il professor Jones giovane, nel pieno della maturità, ben voluto dagli studenti, rispettato dai ragazzi e ammirato dalle ragazze. Un professore nella fase più densa, più pregnante, soddisfacente della sua vita. Tutte quelle giovani menti pendono dalle sue labbra, si abbandonano alle sue parole, si appassionano all’archeologia che egli tratta e spiega con cura e dedizione, interessandosi ai racconti su tumuli dissotterrati, sepolcri rinvenuti, tombe situate fra le viscere delle piramidi, esplorate e riportate alla luce con i loro segreti e i loro tesori. Al contrario ne “Il quadrante del destino” vediamo un professore acciaccato, stanco, in là con gli anni che proprio non riesce a far presa sui suoi studenti.

L’aula è semivuota, e i pochi studenti che presenziano alla lezione sembrano distanti, distratti, annoiati, con la mente persa in altri lidi. Vi è una studentessa che mastica rumorosamente una gomma, un collega guarda svagatamente fuori dalla finestra, nessuno sembra badare a quello che il professor Jones sta proferendo. Questi domanda ai frequentatori del suo corso se hanno letto le pagine di studio previste per quella giornata. Con suo grosso rammarico si rende conto che nessuno studente lo ha fatto. Il “precettore” non demorde e imbecca i suoi “discepoli”. Con l’ausilio di un proiettore e delle immagini, il professor Jones racconta e mostra un evento del passato, una pagina di storia che ha segnato l’avvenuto. Egli fa cenno all’assedio romano alla città di Siracusa, alla strenua resistenza dei Siracusani coadiuvati dal loro più eminente concittadino, Archimede, un matematico e un inventore, che progettò degli specchi ustori, i quali deviando i raggi solari verso le navi nemiche davano loro inevitabilmente fuoco.

Nonostante la passione che il professor Jones mette nel rinarrare tali meravigliose imprese storiche, gli studenti appaiono seccati, sempre meno propensi ad ascoltare quanto viene detto. Di colpo irrompono in sala altre figure facenti parte dell’università, portandosi dietro un tavolino con su un televisore. L’entusiasmo misto a frenesia serpeggia improvvisamente tra gli studenti universitari. Il grande giorno è arrivato: gli astronauti vengono catturati in diretta televisiva.

Siamo nell’epoca della corsa allo spazio, ed è il giorno in cui la spedizione che ha guadagnato il suolo lunare ha fatto trionfalmente ritorno sulla Terra. L’America è in festa, e tutti i suoi abitanti rivolgono la propria considerazione a quell’importantissimo avvenimento, a quella conquista straordinaria che segnerà la storia. Tutti sono concentrati sul presente, nessuno di coloro che si trovano attorno al professor Jones ha voglia di pensare al passato, di rivangarlo, di scoprirlo, di studiarlo; nessuno ha voglia di riflettere su ciò che è stato, di ragionare sulla storia andata.

I più rivolgono la propria attenzione al presente, all’attimo fuggente, all’istante immediato, il passato non suscita più alcun sussulto. A nessuno sembra più appassionare l’archeologia, lo studio delle fonti, dei reperti pervenuti fino ai nostri giorni. La maggior parte delle persone vuole vivere il momento: la conquista dello spazio rappresenta qualcosa di incredibile, di rivoluzionario, un qualcosa di tremendamente affascinante, un traguardo che potrà aprire le porte di un avvenire inaspettato, tutto da scoprire. In quei giorni non conta ciò che è stato, conta ciò che è e ciò che sarà.

L’anziano Indiana Jones in questa atmosfera febbrile, che volge le proprie speranze e anche le proprie paure al futuro (vedasi la manifestazione per la fine della guerra in Vietnam e per la pace che si svolge parimenti in quello stesso giorno che sembra sottolineare la preoccupazione delle persone circa il fato a cui andranno incontro se il conflitto dovesse continuare), si sente inadatto, come un pesce fuor d’acqua, perché oramai vecchio, solo e non ha alcun interesse per ciò che il futuro ha in serbo. Indiana Jones si reputa alla stregua di un oggetto dimenticato, una reliquia da collezione deposta in un angolo di un’esposizione museale e abbandonata lì a prendere polvere.

Se tutti attorno a lui vivono con entusiasmo e una sana dose di ansia quel presente carico di possibilità, Indiana Jones proprio non riesce a mandarlo giù, a farselo piacere. Egli ha perduto il figlio in guerra e Marion, la sua adorata moglie, lo ha lasciato. Per il vegliardo Indiana non vi è più nulla per cui lottare.

E’ questo l’Indiana Jones che ci viene presentato in quest’ultima avventura: un uomo demotivato, disilluso, una figura ben lontana dall’eroe gioviale, spericolato, animato da quel savoir-faire autoironico e sarcastico, da quella brama di sondare l’ignoto, di scovare reperti inestimabili, magici e incredibili. Egli non è più animato dal desiderio di svegliarsi al mattino e di scoprire quale grande peripezia riserverà il giorno. A questo Indiana Jones non manca più il profumo del mare e neppure il tanfo delle vecchie necropoli. Eppure, il sole non è ancora destinato a tramontare su di lui. Vi è un'ultima, grande avventura da vivere.

Il reperto archeologico su cui ruota questa investigazione di Indiana Jones è il cosiddetto quadrante del destino, un manufatto attribuito ad Archimede, che secondo una leggenda ha la capacità di localizzare fratture temporali, fessure schiuse che, se varcate, potrebbero condurre in una determinata fase storica.

Ecco il tempo che ricorre come tematica portante dell’opera.

Nella sua ricerca per recuperare tutte le parti che compongono il quadrante, il dottor Jones dovrà vedersela nuovamente con un gruppo di nazisti sopravvissuti, che mirano ad ottenere la macchina di Anticitera per i propri scopi.

Da un lato l’opera filmica ci mostra un protagonista, Indiana Jones, tristemente assuefatto alla sua epoca, che la subisce passivamente e che, in fondo, si auspicherebbe quasi di abbandonarla perché egli crede non vi sia più nulla per lui; dall’altra parte il lungometraggio palesa un antagonista, Jürgen Voller, che prova repulsione per quella contemporaneità che lo avviluppa e si rivolta ad essa attivamente, volendo alterare il corso della storia, mutare il presente attraverso il passato: un nazista che pianifica di compiere un viaggio a ritroso nel tempo per sostituirsi al Führer e condurre la Germania alla vittoria.

L’avventura finale di Indiana Jones, come già detto, ha a che fare col tempo; il tempo, infatti, come un elemento astratto ma percettibile avvolge tutto il racconto visivo. Perfino gli oggetti presenti nella pellicola e che spuntano di tanto in tanto, tra un dialogo e l’altro, rievocano la presenza invisibile, indeterminata del tempo, sottolineandone la sua presenzialità ritmata e costante. Ad esempio, per festeggiare il pensionamento del professor Jones i colleghi gli fanno dono di un raffinato orologio da tavolo racchiuso in una custodia espositiva dorata. Mediante quello strumento viene enfatizzata la fine della carriera di Henry Jones, l’atto finale di quella specifica fase dell’esistenza del protagonista.

In seguito, Indiana Jones confessa di essere molto legato all’orologio con cinturino che porta con sé, poiché esso apparteneva a suo padre e costituisce per l’archeologo un dolce ricordo. Dunque proprio un orologio, lo strumento utilizzato dall’uomo per misurare il passare delle ore, è per Indy un oggetto speciale, che rievoca in lui il ricordo del papà. Ancora un ennesimo orologio viene rivenuto da Indiana Jones, con suo sommo stupore, nel sepolcro di Archimede, il grande matematico e inventore, che lo ha ancora al polso. Sul momento, il dottor Jones non riuscirà a capire come sia possibile che un uomo vissuto prima della nascita di Cristo abbia con sé un prodotto della modernità. L’unica risposta possibile è che Archimede abbia viaggiato nel tempo.

Ebbene è tutta una questione di tempo, un tempo che avanza a grandi passi, che plasma i giovani e irrigidisce i vecchi. “Indiana Jones e il quadrante del destino”, dietro le sue scene d’azione mozzafiato, il suo ritmo incalzante, offre una riflessione sull’asperità della terza età, sulle amarezze, gli errori commessi, i rimpianti, che possono fare capolino nella mente di un uomo, tormentandolo.

Il tempo per Indiana Jones sembra essere diventato un nemico, qualcosa che col suo incedere gli ha portato via i suoi affetti più cari e che sembra avergli lasciato veramente poco.

Ma il tempo, invero, avrà ancora qualcosa da riservare al nostro eroe. Qualcosa di assolutamente speciale. In quest’ultima avventura, Indiana compirà un’impresa senza precedenti: varcherà concretamente le porte del tempo e vedrà… La storia, o più precisamente una pagina di essa. Egli approderà nella Siracusa del 213 a.C. e assisterà all’assedio delle flotte romane, incontrando Archimede in carne ed ossa.

L’amore più grande della vita di Indiana Jones - il “fu”, la “storia” - si materializza dinanzi ai suoi occhi.

La storia, quella di cui si è invaghito fin dalla più tenera età, quella che ha studiato attraverso i suoi libri, attraverso le fonti, quella che ha rivissuto nei suoi viaggi, riosservato nelle sue spedizioni, ricostruito nei suoi ritrovamenti, quella che ha avvertito sulla sua pelle, quando si addentrava in luoghi dimenticati, sperduti, si è compiutamente manifestata al suo cospetto; in quel viaggio a ritroso nel tempo Indiana Jones ha finalmente coronato un sogno apparentemente irrealizzabile: ha vissuto la “storia”, non più solamente mediante le fonti, gli oggetti ritrovati, i resti, ma la storia com’era realmente, nella sua bellezza nuda e cruda, nella sua sostanza ed essenza.

La fantasia, l’immaginazione, il sogno proibito di ogni amante del mondo classico è mirare ciò che è stato con i propri occhi, e Indiana ce l’ha fatta.

Il dottor Jones, ferito, vorrebbe fermarsi laggiù, lasciarsi morire in quel passato che egli ha tanto amato. Ma non può farlo. Egli appartiene al Novecento, al suo mondo. Dunque verrà riportato indietro.

Ma cosa c’era ad attendere Indiana Jones? La sua epoca, il suo presente, avevano ancora qualcosa da offrire? Il tempo sarebbe stato nuovamente generoso? Oppure egli avrebbe dovuto temerlo con tutto sé stesso?

Capitano Uncino, il celebre antagonista del romanzo di J. M. Barrie, aveva paura del tempo che passava. Solamente vedere oscillare un pendolo o sentire il tic tac di un orologio da taschino lo mandava in paranoia. Uncino era perseguitato da un coccodrillo che voleva banchettare con la sua carne. Quel rettile aveva ingurgitato una sveglia che ticchettava inquietantemente, preannunciandone la venuta. Ogni qualvolta Uncino sentiva quel ticchettare sapeva che la morte si avvicinava, pronta a coglierlo, a inghiottirlo. Invero, quel coccodrillo era una metafora: esso rappresentava il tempo che non conosce sosta, fine, che giunge per minacciare l’essere umano, per spaventarlo, per ricordargli che invecchierà, che non resterà sempre giovane, che prima o poi dovrà morire. Il tempo, come le fauci di un coccodrillo, addenta, stritola e divora lentamente. Questa consapevolezza terrorizzava Uncino. Egli non aveva di che sperare, era un’anima sola, malinconica, senza amore. Il tempo per Uncino non aveva nulla di bello da mettere a disposizione.

Nel presente, Indiana Jones scoprirà che il tempo, per lui, non è stato davvero inclemente. Indiana non avrà lo stesso destino mesto e solitario di Capitan Uncino. Tutt’altro, Henry Jones si renderà conto che vi è ancora l’opportunità per ricucire i vecchi strappi, per sanare le ferite ancora aperte.

Una vita, finché si ha la possibilità di viverla, merita di essere vissuta con pienezza, poiché essa può riservare sempre qualcosa di bello, sensazioni ed esperienze nuove. Indiana ritroverà l’amore che temeva di aver perso, si ricongiungerà a Marion, il tesoro più prezioso che egli abbia mai rintracciato nelle sue innumerevoli esplorazioni, riabbracciandola e baciandola.

"Indiana Jones, il principio" - Dipinto di Erminia A. Giordano per CineHunters

Il tempo per Indiana Jones non è cessato, il suo orologio continua a girare. Non è mai troppo tardi per tornare in pista, non si è mai troppo vecchi per rimettersi in gioco, non si è mai veramente stanchi per smettere di sperare, di amare, di sognare, per vestirsi di tutto punto e correre verso un’altra avventura, riacciuffando, come da consuetudine, quel cappello fedora.

Autore: Emilio Giordano

Redazione: CineHunters

Alcuni film citati in questo articolo vi aspettano ai seguenti link:

Andata e ritorno, un racconto umano della Terra di Mezzo: primo capitolo – “Lo Hobbit – Un viaggio inaspettato”

“Hook Capitan Uncino” – Un pensiero felice

Trovate di seguito altri articoli sulla saga di Indiana Jones:

“I predatori dell’arca perduta” – La prima avventura non si scorda mai

“INDIANA JONES E IL TEMPIO MALEDETTO” – Un cult da riscoprire

Recensione “Indiana Jones e l’ultima crociata”

Recensione "Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo"

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L'agente K e Rick Deckard ritratti da Erminia A. Giordano per CineHunters

  • Lamento vitale

Quando nasciamo, i nostri vagiti annunziano l’impeto di una vita appena sbocciata. Con i nostri occhi chiusi e stretti nello sforzo di generare il pianto, versiamo sulle nostre piccole gote lacrime sincere, intrise d’infinita gioia di vita. Credo sia teneramente adorabile soffermarsi a riflettere sulla valenza di un generico “lacrimare”. Nella nostra vita, piangiamo nei momenti più tristi, e a volte anche in quelli più lieti. La reazione emotiva esternatasi nell’azione del pianto possiede sempre una virtù empirea e tangibile. Si potrebbero lambire quelle lacrime fuoriuscite dai condotti lacrimali. Chi vuol comprendere il perché stiamo versando quelle gocce che racchiudono al loro interno sia ansie che emozioni, potrebbe raccoglierle e leggerle con gli occhi del cuore nell’empatico tentativo di svelarne il vero significato di ogni singola stilla. Lacrime di tristezza e di gioia: sono le più comuni, sebbene siano anche le più diverse. Nello scorrere della nostra esistenza piangiamo sia nella sofferenza come nella felicità, nella perdita di una persona cara come nello sbocciare di una vita nuova. Ma quando nasciamo, il nostro è un pianto istintivo, un naturale grido di partecipazione alla vita. Non vi sono sentimentalismi da indagare, in quel pianto si innesca la più pura e incontrollabile vitalità. Nelle lacrime rilasciate dai nostri minuscoli occhi e nelle pupille che si dischiudono per la prima volta, la vita trova il modo di sorgere e iniziare un cammino.

Le lacrime versate in un giorno di pioggia e l’immagine di un occhio che osserva in maniera indefinita, come fosse “staccato” dal resto del corpo, sono due allegorie basiche della mitologia del “Blade Runner” del 1982, opera di fantascienza che indaga l’esistenza e l’impossibilità di arrestare la morte. E’ proprio con l’immagine di una vigile pupilla, dilatatasi davanti alla camera, che “Blade Runner 2049”, sequel del capolavoro di Ridley Scott, alza il sipario. L’occhio spalancato è metafora di un inizio, simbolo di un’osservazione appena esordita, come se il seguito concepito e diretto da Villeneuve stesse nascendo in maniera subitanea nella sua prima sequenza d’apertura.

  • “Blade Runner 2049” – Un sequel stupefacente

E’ stata una gestazione estenuante quella che ha fatto da avvento alla nascita di un vero e proprio sequel dell’opera senza tempo di Ridley Scott. Ed è stato altresì un parto complicato quello che ha portato alla nascita di un film così appagante per gli amanti del genere, eseguito con meticolosa abilità da ostetrici artisti della parola, dell’immagine, del suono e dell’emozione generata dal connubio, minuziosamente perpetrato, dei precedenti fattori.  Sono trascorsi 35 anni dal primo “Blade Runner”. Tre decenni di paziente attesa e di ponderazione: quella di poter realmente filmare il seguito di un lungometraggio, tanto rivoluzionario quanto portatore di una sfida impossibile da vincere. Tuttavia, il regista Villeneuve ha raccolto il “guanto della singolar tenzone”. Alla fine è riuscito in ciò che sembrava così arduo: girare un film che mantenesse rispetto e esternasse malinconica riverenza all’opera magna originale, ma che voltasse rotta e proponesse un’ammirabile novità tematica e stilistica. “Blade Runner 2049” è un film ben fatto, meraviglioso e armonico. Semplicemente sontuoso!

La pioggia è l’evento atmosferico che richiama l’immagine di un pianto protratto e incessante. Torrenziale è la pioggia che bagna la Los Angeles del 2049 in cui è sempre notte e dove ologrammi pubblicitari vengono fatti materializzare con l’aspetto di corpi umani titanici, dotati di movimento coordinato e predisposto. Che tipo di lacrime bagnano la città di Los Angeles? Lacrime di gioia o di inconsolabile tristezza? Lacrime per glorificare la vita in ogni sua forma?!

 

L'agente K dipinto da Erminia A. Giordano per CineHunters

 

In questa metropoli dispotica e desolata, si muovono, in un alternarsi scenico, le anime di umani e replicanti, ed esse procedono come fossero traghettate dalle correnti ventose di una giornata comune. Sono trascorsi trent’anni dagli eventi di “Blade Runner”. L’agente Rick Deckard è scomparso, e i vecchi replicanti sono stati tutti terminati prima d’essere sostituiti da replicanti di tutt’altro tipo, creati da Niander Wallace (Jared Leto). I replicanti di Wallace sono anche loro esseri creati per venire dominati, stretti e incatenati sotto il giogo dei padroni. Essi sono destinati allo sfruttamento e alla schiavitù nelle colonie extra-mondo, seppur vengano descritti dal loro creatore come creature angeliche forti e resistenti, necessarie per il sostentamento dell'uomo e per il suo sviluppo. Wallace è un dio-creatore che plasma i replicanti come argilla tra le mani.

  • L’amletismo di un replicante

Protagonista della storia è l’agente K, interpretato da Ryan Gosling, un Blade Runner avveniristico, flemmatico, solo apparentemente freddo e distaccato. Egli non è un essere umano, è un androide ultimo modello, un replicante che dà la caccia ai vecchi replicanti modello Nexus, fuggiti per scampare alla terminazione.  Durante un’operazione di recupero e annientamento di un replicante, tale Sapper Morton, l’agente K rinviene una scatola sepolta sotto un albero morto. All’interno dell’oggetto, vengono rinvenuti i resti scheletrici di un replicante Nexus femmina. Gli analisti scopriranno che la replicante è deceduta a causa di un taglio cesareo effettuato chirurgicamente per far nascere il bambino. Sconvolti dalla scoperta, i superiori dell’agente K gli ordinano di fare tutto il possibile per trovare l’erede e ucciderlo, poiché la notizia che una replicante possa aver avuto un figlio potrebbe creare un'instabilità nel delicato equilibrio tra umani e androidi. L’agente K, restio e tormentato nel dover compiere un simile ed efferato gesto, comincerà la sua indagine che lo porterà a scoprire l’identità della replicante rimasta incinta: si tratta di Rachel, la donna innamorata e ricambiata a sua volta da Rick Deckard (Harrison Ford). In una ricerca così complessa, che ha radici in un passato vecchio di trent’anni, l’agente K scoprirà di essere anch’egli, in parte, coinvolto nel caso.

“Blade Runner 2049” è un eloquente e laconico atto comunicativo pur sempre verbalmente espresso ma anticipato da una impercettibile espressione del volto che preannuncia astrattamente ciò che poco dopo verrà espletato concretamente. La dialettica assume un potere valente ma secondario poiché superflua nel far comprendere il sentimento tra un essere umano e un replicante, già comprensibile dall’importanza di un singolo sguardo. In un contesto come questo l’agente K nei suoi esasperati silenzi è l’inequivocabile e ideale protagonista. Ryan Gosling non fa eccedere un’espressività costantemente mutevole, e proprio per tale ragione si rivela perfetto come interprete amletico di un agente meditante. K vive in una casa postmoderna, in cui la tecnologia futuristica è amalgamata in modo eterogeno a quella più tradizionale. La sua cucina a gas è alternata a una stanza in cui un riflettore posizionato sul tetto fa visualizzare la sagoma digitalizzata di Joi, una bellissima donna di cui K è perdutamente innamorato. Joi (Ana de Armas) ricambia incondizionatamente K seppur essa non sia che un estetico agglomerato ineffabile di luce e immagine. Quella che “Blade Runner 2049” inscena con dolente poetica è la meravigliosa e nuova frontiera di una storia d’amore impossibile. Joi è intelligenza artificiale in grado di provare, con coscienza e razionalità, affetto e in particolar modo, amore.

  • Amore platonico, passione intellegibile

Ella è intelligenza artificiale seppur sia un artificio non propriamente meccanico, quasi etereo e impalpabile in quanto contenuto e riflesso da una macchina proiettante. Joi è “intrappolata” in una proiezione, non ha consistenza fisica ma ha volontà, non ha un corpo ma possiede un’anima, non è incarnata ma è visivamente personificata. Un qualcosa di tragico ma narrativamente incredibile anche solo da descrivere. Joi ha voluto ribattezzare K con il nome di Joe, per conferirgli un che di umano. K, dal canto suo, ha voluto far dono alla sua “sposa” di uno strumento, un comando che può custodirla al di fuori di quel “proiettore” che può renderla visivamente mirabile solo tra le austere pareti della loro casa. Con quel comando ella può sciogliere il legame che la trattiene tra quelle mura e valicare i limiti dell’edificio assieme a K. Ella in quell’oggetto ha riposto senza remore la sua esistenza virtuale poiché se dovesse deteriorarsi, cesserebbe di materializzarsi per sempre, come se fosse anch’ella una donna vera, in balia della morte, nel caso in cui venisse “attaccata” e “distrutta”. Se lei gli ha donato un nome, lui ha cercato di donarle una nuova forma di stasi: entrambi provano, in un disperato e romantico tentativo, di umanizzarsi vicendevolmente. Il primo luogo che Joi desidera “visitare”, una volta uscita dalla dimora, è la terrazza del palazzo, sulla quale entrambi vengono investiti da una lieve pioggia che accompagna il loro primo momento d’accenno di “libertà”. Ancora una volta la pioggia, come toccante pianto, sembra cadenzare la vita in “Blade Runner”.

Tra K e Joi esiste un amore platonico e inestinguibile, virtuale ma reale, a cui viene poi conformata una passione indomabile, trasfigurata nell’intellegibilità, che tocca le vette del romanticismo gemmeo. Ella è fisicamente inconsistente, corporalmente effimera ma animosamente ricolma. Quando lui l’accarezza, la sua mano rende la nitida visione della donna opacizzata, poiché soggetta a dissolvere la qualità della sua trasparenza al minimo tocco. La sequenza in cui Joi deciderà di sincronizzare il suo corpo visivo a quello di una donna vera, sovrapponendosi a lei, pixel dopo pixel, per garantire a K la possibilità di consumare il loro amore, è una delle scene più intense e toccanti del film, e riesce a mantenere per tutta la sua durata una passione tersa e persino sognante. Un atto d’amore sentimentale nato e divampato nella sintonia connettiva di due anime “meccaniche” che si congiungono nel bisogno umano di sfiorarsi e toccarsi con concretezza. Un semplice abbraccio, una carezza sul viso per K e Joi assume l’aspetto di un rapido momento d’essenza eterna.

  • I ricordi

“Blade Runner 2049” è un noir fantascientifico impreziosito da una folgorante fotografia. Ha un ritmo volutamente compassato per rimarcare con la dovuta attenzione le scene introspettive e le peregrinazioni solitarie del protagonista, sempre analitiche. La sua è un’investigazione compiuta su due fronti che si intersecano: la ricerca dell’identità dell’erede di una replicante si intreccia a quella inerente la possibile vera identità dell’agente K. K è un replicante che desidera ardentemente d’essere speciale, e non un mero “prodotto”, e nutre la speranza che i ricordi che possiede non siano innestati ma possano essere veri.

La vivezza sensoriale dei ricordi ha i contorni di una finestra spalancata sul passato che può essere pre-costruito o assolutamente veritiero. I replicanti, a cui sono stati impiantati ricordi artificiali, necessitano di quelle memorie per poter restare stabilmente a contatto con la loro intimità, pur essendo consapevoli che quelle rievocazioni non sono altro che il frutto di artificiosi palazzi mentali sapientemente orchestrati con dovizia di particolari. Essi sono un rifugio per rammentare un’identità, anche a costo d’ingannarsi e impantanarsi in una fangosa menzogna.

Con i ricordi riusciamo a padroneggiare la capacità di “dialogare con noi stessi”. I ricordi in “Blade Runner 2049” sono delle raccolte archiviate e possono avere una duplice natura, vera o forgiata ad arte, positiva o negativa. Ricordi paurosi e tristi si alternano con le memorie più felici ed idilliache di un passato che non c’è più. Tali testimonianze memorizzate in “Blade Runner 2049” sono lo specchio dell’anima e riflettono l’interiorità di un essere umano così come di un replicante. La memoria è alimentata dall’emozione, dal sentimento che ad essa è accomunata, e l’effetto sensoriale dell’amigdala può modellare le emozioni provate in quel determinato momento fino a farle rivivere. Attraverso la sfera mnemonica si compie l’investigazione dell’agente K che arriva a interloquire con la più grande creatrice di ricordi per replicanti, la dottoressa Ana Stelline (Carla Juri). Ella vive protetta all’interno di un’ampia cupola che ne preserva la cagionevole salute. Ana è portatrice di una splendida immaginazione con la quale riesce a dare contorno, spessore, forma e colore a un ricordo che si può toccare con mano. Ella è una creatrice di ricordi e li realizza come fossero quadri dipinti con un pennello inesistente su di una tela evanescente, impercettibile come un lieve soffio di brezza. Quando ella vedrà il ricordo che accompagna da sempre l’agente K, ricordo a tal proposito necessario alla comprensione dell’indagine, scoppierà in un accorato pianto e affermerà che tale memoria è vera e non propriamente innestata. Ciò porterà K a credere che lui stesso sia il figlio perduto di Rachel e Rick.

  • Il miracolo della vita

Quella di “Balde Runner 2049” è esaltazione dell’arte cinematografica nella sua essenza più profonda e pura. E’ comunicazione silenziosa, riflessiva, meditabonda, arte che conferisce pregio allo sfondo, rilievo significante alla scenografia, validità alla taciturna espressione di un viso disteso e pensante. E’ emozione mai espressa completamente, ma incastonata nella magnificenza di un momento, nell’importanza di un gesto o di un’intenzione che potrebbe far capire molto di più di quanto semplice possa apparire. In “Blade Runner 2049” il sentimento umano batte come un cuore palpitante. Nella versione di Villeneuve la paranoia che un tempo avvertivamo guardando l’opera di Scott viene annullata. E’ la vita, intesa come miracolo della creazione, ad essere inebriata. La nascita del bambino concepito dall’amore tra Rick e Rachel, è la compiutezza di un prodigio.

Un evento straordinario, una grazia giunta dal cielo, che sconvolge Wallace, uomo che si esprime attraverso orazioni criptiche e ricche di accenni e riferimenti religiosi, come se fosse un antico profeta e oracolo affetto da cecità, ma che crede di vedere ciò che nessun altro è in grado di scrutare. K giungerà fino alla decaduta Las Vegas, megalopoli funerea e irriconoscibile se confrontata a ciò che fu un tempo. Laggiù rinverrà Deckard. Eccezionale la scena in cui Rick e K avranno un confronto fisico in una platea abbandonata sul cui palcoscenico si esibisce un ologramma fuori sintonia di Elvis Presley. Un passato che tecnologicamente si mescola a un presente futuristico.

Un ritorno, quello di Harrison Ford, straordinario. Ford nella sua maschera rugosa, assuefatta alla rassegnazione, alla rinuncia, trasmetterà la sofferenza di una vita di stenti, di allontanamenti forzati, di privazioni. Il Rick Deckard di “Blade Runner 2049” è un padre disperato più che un vecchio cacciatore di replicanti, e la recitazione di Ford accentua l’umanità e il senso di protezione paterna dell’uomo più che la glaciale freddezza di un ex agente. L’eroismo di K, che perderà la sua amata Joi lungo il proprio cammino verso il trionfo finale, sarà l’ultima speranza per Deckard di riscoprire la verità sul proprio erede: sulla propria figlia che altri non sarà che la dottoressa Ana.

  • Pianto finale

Ecco perché ella piangeva alla vista di quel ricordo, ecco perché K “vigilava” su quella reminiscenza dal valore inestimabile: era un innesto basato sulla verità, sul passato di Ana. Ancora una volta le lacrime all’interno del film testimoniano l’importanza di un sentimento, di un passato identificativo rivisto e rivissuto attraverso l’emotività umana. Quindi K riuscirà a salvare Deckard e lo condurrà ad incontrare la sua amata figlia.

“Blade Runner 2049” è un sequel coraggioso e bellissimo, vicino a raggiungere e ottenere di diritto, anch’esso come il predecessore, la caratura del capolavoro.

Quando K avrà adempiuto la propria missione, si sdraierà su una scalinata. La musica riprenderà i passi che scandirono il trapasso di Roy Batty nella celebre sequenza del primo “Blade Runner”. Non verserà lacrime nella pioggia: egli guarderà il cielo che in quel momento comincerà a “piangere” neve. La bianca coltre cadrà copiosa quando egli verserà le sue ultime lacrime sotto la neve ed emanerà l’ultimo respiro. Se Roy Batty aveva versato il suo ultimo pianto sotto la pioggia, Joe farà “scomparire” le sue lacrime nel fioccare della neve.

Anche Ana sarà avvolta dall’incedere di una neve virtuale poco prima di mirare per la prima volta suo padre. Chissà se anch’ella reagirà versando nuove lacrime sotto la neve quando scoprirà chi è la persona che ha dinanzi. Che sia gioia o tristezza, che si tratti di nascita o morte, le lacrime possono riuscire ad esprimere in egual valore l’immensa emotività di un istante che diviene immortale nel tempo. Il pianto è testimonianza di un sentimento, e il sentimento è testimonianza di vita. Che siano uomini o replicanti essi versano lacrime…e sono in vita.

Voto: 9/10

Autore: Emilio Giordano

Redazione: CineHunters

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Anno 2019, Rick Deckard (Harrison Ford in uno dei suoi ruoli più iconici) è un cacciatore di replicanti, chiamato ad un’ultima missione prima di ritirarsi. Quest’ultimo incarico concerne il ritrovamento di sei replicanti fuggiti dai campi di lavoro nelle colonie extraterrestri e rientrati sulla Terra per nascondersi tra la folla anonima. I replicanti sono fabbricazioni di androidi dall’aspetto umano. Deckard decide così di mettersi alla ricerca di quei “fuggitivi”. Nell’arduo tentativo di rintracciarli, Rick è affiancato da Rachel, una donna non consapevole d’essere essa stessa una replicante. Gli androidi rinnegati sono guidati da Roy Batty (Rutger Hauer) e Pris (Daryl Hannah) e mirano ad incontrare il creatore dei replicanti per ottenere un prolungamento della loro vita, che cessa dopo soli 4 anni…

Nel 1982, Ridley Scott tornava al cinema con l’ultima delle sue fatiche: “Blade Runner”. Si trattava del secondo lungometraggio di genere fantascientifico che recava la firma di Scott, due anni dopo il grande successo di “Alien”. Il cineasta statunitense era quanto mai deciso, quasi immantinente nel voler dimostrare nuovamente la propria attitudine a sollevare interessanti argomentazioni inscenate in contesti futuristici e altamente dispotici. Con la creatura aliena concepita da Hans Rudolf Giger e plasmata in terrificanti fattezze da Carlo Rambaldi, denominata Xenomorfo, Scott filmò in “Alien” l’incarnazione parassitoide di un innaturale terrore bestiale. Alien era la paura trasfigurata nella raccapricciante deformità di un essere ostile e predatorio, che con la sua orripilante tecnica riproduttiva reinterpretava una violazione fisica, uno stupro al corpo umano, che veniva tramutato obbligatoriamente in ospite e, al compimento della propria straziante morte, in genitore partoriente di una paura immonda, data alla luce dal dolore di un parto violentemente imposto. Alien era un incubo primordiale a cui dare corpo difforme e atroce movenza, gesto efferato e rumore sinistro, verso spasmodico e respiro convulso.

Con “Blade Runner” la fantascienza di Scott navigò lontano, si protrasse lungamente verso uno stadio successivo, e attraversò le lande desolate di un universo narrativo, in cui avrebbe ricercato altre complessità tematiche, basate sull’analisi dell’esistenza, della religione e dell’autocoscienza. Con “Blade Runner” la paura obbrobriosa di un mostro d’imprecisata natura viene accantonata per essere sostituita da una evoluzione stilistica umano-centrica, ovvero che pone l’umanità al centro di un articolato dibattito filosofico e morale. Gli scenari cambiarono, e Scott non basò la sua storia incentrandola sui limiti circoscritti di una nave spaziale, bensì sul centro urbano di una Los Angeles nebulosa e sozza, inquinata e claustrofobica, così come appare in questo immaginario 2019. “Blade Runner” apprende la paura di “Alien” e la converte in un ansioso climax paranoico e tremendamente sospettoso. Il termine significante della parola “certezza” vacilla maledettamente, come fosse un concetto aleatorio e vacuo. “Certo” può anche significare “errato”. Nulla è realmente certo in “Blade Runner”; la certezza non esiste, non è altro che una chimera, un’illusione scientifica che avviluppa ciò che è umano e ciò che non lo è, e che viene inglobata in un’atmosfera angosciosa, carburata dalla costante inquietudine su chi sia un autentico essere umano e chi un replicante mimetizzatosi camaleonticamente con il resto della popolazione.

I replicanti non necessitano, tuttavia, delle medesime qualità dei camaleonti, non hanno bisogno di mutare il loro colore epidermico a seconda del terreno e dello spazio che li circonda, essi sono iperrealistiche riproduzioni del derma, e sono totalmente somiglianti agli uomini. Pertanto, il camuffamento verte sul mantenere un atteggiamento “tranquillo”, nella speranza d’evitare d’essere scovati e sottoposti al test per il riconoscimento.

“Blade Runner” è un noir fantascientifico, gotico e ombroso, ambientato per la quasi totalità nelle ore buie della giornata, quando il sole tramonta e le ombre degli uomini e dei replicanti vengono livellate e poi annullate dalla scomparsa del sole. Se i noir di un tempo erano girati in bianco e nero, e il fumo della sigaretta accesa fumata dai protagonisti si levava in alto, come una nuvola grigiastra che immerge i personaggi in un’atmosfera irrespirabile, in “Blade Runner” i colori sono distillati sulle illuminazioni esterne degli sfondi piovosi ma incupiti dalle scenografie fredde, buie, tenebrose. La storia di questa pietra miliare del cinema fantascientifico è quella di un avvenire crepuscolare per la razza degli uomini, in cui il sorgere di un domani chiaro, limpido parrebbe d’impossibile previsione.

“Blade Runner” è un inarrestabile pianto amaro e malinconico, che si manifesta nella pioggia copiosa che bagna la città con triste abitudine. Si vive in un avvilente presente nel quale la vita scorre via come lacrime sotto la pioggia. Il clima alienante emana un’insicurezza intollerabile. A cominciare dal personaggio di Rachel (Sean Young), così bella e generosa da rendere la verità sulla sua origine ingiusta, poiché risulta inaccettabile che essa non sia nata col dono della vita umana. Rachel è una replicante che non sa di esserlo, un destino dall’esito pauroso che mette in dubbio persino la veridicità dei ricordi d’infanzia, innestati in modo artificioso nella sua sfera mnemonica. Essa quando scoprirà la sua vera natura ne rimarrà inorridita. Nulla può essere come sembra nell’opera di Scott: umanità e artificiosità si mescolano in un affresco dai colori indistinguibili. Sebbene la natura di Rachel sia tale, Deckard se ne innamora e vorrebbe fuggire via con lei da una così avvilente quotidianità urbana.

L’indagine ricercata del protagonista si abbina alla disperata fuga per sottrarsi all’implacabile passare del tempo che consuma gli ultimi granelli di sabbia nella clessidra dei replicanti capeggiati da Roy Batty, ai quali restano pochi giorni di vita prima della dipartita. E’ la fascinosa analisi esistenziale che “Blade Runner” attua. Gli androidi, vivi e senzienti per loro stesse ammissioni, desiderano quello che non potranno in alcun modo ottenere: una vita durevole che possa essere impreziosita da un allungamento del tempo loro concesso. Essi sono stati creati da un padre che ne depreca le volontà, considerandoli dei figli illegittimi, ammassi di cute e circuiti. L’atto della creazione viene rivestito di un’accezione abominevole, poiché adempiuto da un insensibile creatore che genera una forma di vita senza curarsi della conseguenza delle vittime (i replicanti) che ricevono il peso di un’ingiuria. Tale offesa riguarda proprio i replicanti, la cui sola colpa al momento della nascita è quella d’essere stati confezionati, impacchettati e dischiusi dal torpore di un parto mai avvenuto, per fini lavorativi. Essi investigano sul loro imminente futuro, semmai dovessero averne uno, parallelamente all’investigazione che Deckard compie per stanarli e distruggerli. Mentre essi anelano alla speranza di una vita in modo anche violento e privo di remore, Rick è costretto a escogitare il modo per annientarli.

Quando Roy Batty incontrerà il creatore dei replicanti assisteremo ad una fantomatica e intensa riproposizione fantascientifica di un “essere vivente” che si imbatte nel proprio Dio, in colui che dall’alto di un sapere universale ha generato la vita. La richiesta di Roy Batty, proferita con una fermezza che cela la disperazione, è quella riguardante un prolungamento dell’esistenza. Quando riceverà la risposta negativa, ovvero l’impossibilità di evitare il deterioramento dei circuiti allo scoccare del quarto anno, Batty bacerà il suo creatore e lo ucciderà. Un bacio d’addio, di rassegnazione, il “bacio di Giuda” rilasciato da un replicante che si è sentito esso stesso tradito, e che si prepara a compiere un parricidio, o altresì una sorta di omicidio compiuto da un essere ai danni di un dio creatore che si è mostrato non misericordioso nei riguardi della sua creatura. Roy Batty parrebbe assumere i contorni religiosi del Lucifero insorgente.

A questo punto i replicanti rimasti sarebbero fuori controllo, e vorrebbero vendicarsi. Deckard li insegue per porre fine ai loro tormenti e per far cessare i pericoli ad essi accomunati. Segue una colluttazione brutale, nella quale Roy Batty dimostra la sua forza sovrumana e la ferrea durezza con cui vorrebbe uccidere Deckard. Tuttavia, sul finire delle vicende, quando ormai Deckard provato e prossimo a morire sta per lasciarsi cadere da un precipizio verrà raggiunto dall’androide che lo raccoglierà col suo braccio e lo trarrà in salvo. Roy Batty, il replicante, mostra un’inaspettata misericordia, una pietà che nessuno ebbe nei suoi riguardi. Agguanterà ed espleterà un’umanità sopita e a quel punto più vera che mai, perdonando il suo inseguitore e permettendogli di continuare a vivere.

«Io ne ho viste cose che voi umani non potreste immaginarvi. Navi da combattimento in fiamme al largo dei bastioni di Orione. E ho visto i raggi B balenare nel buio vicino alle porte di Tannhäuser. E tutti quei momenti andranno perduti nel tempo come lacrime nella pioggia. È tempo di morire

Quando declamerà il suo celebre monologo finale, un canto funebre di commiato, lascerà traspirare quanto la vita, veritiera o irreale, sia ineffabile, e i ricordi, le storie, le singole esperienze e le meraviglie dell’universo osservate in un battito di ciglia e conservate nei ricordi di un animo vitale possano svanire come lacrime che abbandonano gli occhi e scivolano giù lungo le guance al momento della morte. Ciò che abbiamo vissuto scomparirà, i momenti andati diverranno momenti perduti. Ma essi potranno essere in parte custoditi nell’eredità dei nostri discendenti, negli affetti delle persone a noi più care. Questo non è possibile per un replicante, e per tale ragione, nel finale sarà il salvataggio di Roy Batty ad assumere un significato profondo. Esso verrà rammentato dal protagonista come testimonianza di un gesto di riconoscenza, effettuato in punto di morte.

“Blade Runner”, ancor più che una parabola sull’esistenza, trovo sia un racconto allegorico sull’impossibilità d’arrestare la morte. Lo spegnersi di una vita è il passo finale di ogni singolo essere. Tutti noi nasciamo e siamo consapevoli che la nostra permanenza sulla Terra sarà solo temporanea, una sorta di assoluto passaggio. La morte, come scrisse J.R.R. Tolkien, è un dono che “Eru Ilúvatar” ha elargito agli uomini di Arda, i quali quando sarà il momento dovranno abbandonare la propria dimora per calcare l’etere e le bianche sponde. La morte potrà essere un’altra via per gli uomini, ma per i replicanti? Non ci sarà nulla, tutto svanirà in un solo e fatale istante dopo poco più di quattro anni, un tempo drammaticamente misero ed esiguo. Nel suo tragico “spegnimento”, la personalità misteriosa di Roy Batty ha sublimato l’importanza della “sopravvivenza”, offrendo la vita a colui che era un suo nemico.

Rick, rimessosi in piedi, si ricongiungerà a Rachel, e con essa scapperà via. Al termine del lungometraggio, l’alone del sospetto seguita a permanere. Un dubbio venuto alla luce nel corso degli anni, alimentato da piccoli indizi di natura mitologica, che assumono l’aspetto di un unicorno, e che disseminati nelle varie versioni inducono noi spettatori a vestire gli inaspettati panni di “cacciatori di replicanti”. E se persino Dekcard fosse un replicante?

Voto: 9/10

Autore: Emilio Giordano

Redazione: CineHunters